CINECATESSEN

UNA PALABRA TUYA de Ángeles González-Sinde

2008-08-20T05:42:00.000-07:00

Dir: Ángeles González-Sinde
Int: Malena Alterio, Antonio de la Torre, Esperanza Pedreño

La segunda aventura cinematográfica como directora de la Presidenta de la Academia de las Ciencias y las Artes de España, Ángeles González-Sinde, viene de la mano de Tesela y en forma de adaptación. En este caso se trata de la adaptación de la novela de Elvira Lindo del mismo título.

UNA PALABRA TUYA narra la relación de amistad, encuentros y desencuentros entre dos amigas, Rosario y Milagros. Aparentemente una trama sencilla, y digo aparentemente porque debajo de esa capa de cotidianeidad se esconde mucho más, y es la base para hablar de la soledad del ser humano en el siglo XXI, de las mentiras que nos contamos para seguir viviendo y de la deshumanización dentro del mundo laboral.

Lo que atrajo a Ángeles González-Sinde y le impulsó a llevar a 24 fotogramas la historia escrita en papel fue el interés en "la ficción que espía la intimidad de las personas comunes y muy particularmente, sus conflictos morales". Y ciertamente la película empieza con una puesta en escena fría, alejada de los personajes, una fotografía dura y de gran contraste y un comienzo aparentemente banal. El viaje de tres personajes para enterrar un gato.

Pero poco a poco la cámara se va acercando y la fotografía se vuelve algo más cálida a medida que el espectador va conociendo los más secretos recovecos del interior de los personajes. Sus pequeños dramas cotidianos contados mediante una estructura narrativa basada en el flashback hasta volver a llegar al presente y al desenlace.

El trío de actores protagonistas, Malena Alterio, Antonio de la Torre y Esperanza Pedreño consiguen crear unos personajes memorables, entrañables y creíbles. Cabe destacar la actuación de Malena Alterio, en su primer personaje protagonista, quien consigue mediante la sutileza una interpretación llena de matices que insufla un aire de verosimilitud al personaje de Rosario. También hay que destacar el trabajo de Antonio de la Torre, al que próximamente veremos en "Gordos" de Daniel Sánchez Arévalo y "Guerrilla" de Steven Soderbergh.

Tal vez sea el personaje de Esperanza Pedreño el que menos logra llegar a la audiencia. Las razones de esto habremos de encontrarlas en el hecho de que se trata de un personaje mucho más extremo y llevado al límite, en el que podemos encontrar ecos de su conocido personaje como Cañizares en la serie "Cámara Café".

La fotografía de David Omedes subraya a la perfección la historia, guiando visualmente al espectador, un comienzo visual extremadamente frío y contrastado que se va suavizando para dejarnos ver el alma de la historia. El ritmo visual del que Fernando Pardo dota a las imágenes lleva perfectamente de la mano al espectador por los picos y valles de la historia, resultando especialmente memorable la secuencia del bebé.

En conjunto se trata de una película agridulce que conjuga con gran acierto en determinados momentos las risas y los llantos de la vida.

...

2008-08-18T13:49:00.000-07:00

NEVANDO VOY de Maitena Muruzábal y Candela Figueira

2008-07-04T06:28:00.000-07:00

A la cartelera llegan numerosas películas a lo largo del tiempo y rara vez consiguen dejar huella en nosotros. Por eso, cuando hay alguna "delicatessen" que además de transmitir un mensaje, deja huella y te hace salir del cine con una gran sonrisa en la boca, no hay que dejarla escapar. Y si encima te enteras de que es una película hecha con mucho entusiasmo, con cariño, basada en hechos reales y que ya ha recorrido los festivales de medio mundo encandilando a público de lugares tan dispares como Cuba o Moscú, entonces no puedes dejar pasar la oportunidad de verla en pantalla grande.

El rodaje comenzó hace dos años. Maitena Muruzábal y Candela Figueira decidieron apostar por esta historia que se basa en las vivencias de Maitena como trabajadora en una fábrica de cadenas para la nieve. La historia de cuatro trabajadores en una fábrica de cadenas, las relaciones que establecen entre ellos, sus encuentros y desencuentros son el pretexto para hablar de la fragilidad de las relaciones humanas, la importancia de la comunicación y el mensaje claro de que todos somos dueños de nuestro destino y de nuestra historia y que con pequeñas cosas, con pequeños gestos, somos capaces de crear la vida que queremos y deseamos.

En este film los actores que dan vida a las complicidades de estos cuatro personajes son un cóctel natural y realista que bebe de la experiencia de Gabriel Latorre, la frescura de Laura de Pedro y Asun Aguinaco y la primera experiencia ante la cámara de Xavi Yarnoz. Su sinceridad y verismo hace que el espectador disfrute con esta película de pequeños gestos.

Para narrar la historia se utiliza una cámara fluída y la confrontación entre los planos más abiertos, para las escenas de la fábrica, y planos más cerrados para las escenas que discurren en el interior de las casas de los personajes. La iluminación conseguida por el director de fotografía Robb C. Webb también es un acierto pues aunque el rodaje transcurrió a lo largo de cuatro semanas en agosto, la acción transcurre en invierno. La recreación de una luz propia del invierno ha sido perfecta.

A todo ello hay que añadir la deliciosa banda sonora compuesta por Gonzalo Díaz Yerro, que consigue subrayar a la perfección los puntos álgidos de la historia y consigue llevar de la mano al espectador por el amplio arco de emociones que experimenta mientras es testigo del devenir de los personajes.

Una película en definitiva hecha con sumo cariño e ilusión, que consigue que ese sentimiento traspase el celuloide en el que está impresa y llegue a imprimir su mensaje en el espectador. Se estrena el 11 de julio y no hay que dejar pasar la oportunidad de dejarse cautivar por ella en pantalla grande, pues gustará a todo el que se anime a verla. Y lo más importante, no sólo gustará, sino que también saldrás del cine con una sonrisa en los labios y cargado de buenas energías.

Leer critica Nevando Voy en Muchocine.net

CINECATESSEN en MOGULUS

2008-06-19T04:44:00.000-07:00

AND THE OSCAR GOES TO......

2008-02-25T04:12:00.000-08:00

Éstos son los ganadores del oscar en el 2008. Felicidades a Javier Bardem, primer español en conseguir un oscar.

Mejor Película:
"No Country for Old Men" ("No es país para viejos" o "Sin lugar para los débiles)

Mejor Director:
Joel and Ethan Coen, "No Country for Old Men"

Mejor Actor:
Daniel Day-Lewis, "There Will be Blood"

Mejor Actriz:
Marion Cotillard, "La vie en rose"

Mejor Actor Secundario: Javier Bardem, "No Country for Old Men"

Mejor Actriz Secundaria:
Tilda Swinton, "Michael Clayton"

Mejor Película Extranjera
"Die Fälscher" ("Los falsificadores"), Austria

Mejor película animada:
"Ratatouille"

Mejor Guión Original:
"Juno", Diablo Cody

Mejor Guión Adaptado:
"No Country for Old Men", Joel Coen y Ethan Coen

Mejor Banda Sonora:
Dario Marianelli, "Atonement" (Expiación)

Mejor Fotografía:
"There Will Be Blood", Robert Elswit

Mejor Documental:
"Taxi to the Dark Side"

Mejor Edición:
"El ultimátum de Bourne"

Mejor Dirección Artística:
"Sweeney Todd"

Mejor diseño de vestuario:
"Elizabeth, la edad de oro"

Mejor canción:
"Once (Falling Slowly)"

Mejor maquillaje:
"La vida en rosa (Edith Piaf)"

Mejor sonido:
"El ultimátum de Bourne"

Mejor edición de sonido:
"El ultimátum de Bourne"

Mejor efectos especiales:
"La Brújula Dorada"

Mejor corto documental:
"Freeheld"

Mejor corto de animación:
"Peter & The Wolf"

Mejor Cortometraje:
"Le Mozart des pickpockets"

Oscar Honorífico:
Robert Boyle

PREMIOS GOYA 2008

2008-02-03T14:30:00.000-08:00

Los que se han llevado este año el "goya al agua" son éstos:

+ Mejor director: Jaime Rosales por "La soledad"
+ Mejor película "La soledad"
# Mejor guión original: Sergio G. Sánchez por 'El orfanato'
+ Mejor dirección de producción: Sandra Hermida
# Mejor guión adaptado: Felix Viscarret por 'Bajo las estrellas'
# Mejor actriz de reparto: Amparo Baró por 'Siete mesas de billar francés'
* Mejor película de animación: Nocturna.
+ Mejor dirección de fotografía: José Luis Alcaine por 'Las trece rosas'
* Mejor actor protagonista: ALBERTO SAN JUAN por 'Bajo las estrellas'
* Mejor cortometraje de animación, documental y ficción (todos de golpe)
* Mejor corto de animación: 'Tadeo Jones y el sótano maldito' de Enrique Gato Borregan
* Mejor corto documental: 'El hombre feliz' de Lucina Gil
* Mejor corto de ficción: 'Salvador' de Abdelatif Abdeselam Hamed
* Mejor actor revelación: José Luís Torrijo por 'La Soledad'
* Mejor director novel: J. A. Bayona, por 'El orfanato'
* Mejor actriz revelación: Manuela Velasco por 'REC'
* Mejor documental: 'Invisibles'
* Mejor película hispanoamericana: 'XXY' de Lucía Puenzo
* Mejor actriz: MARIBEL VERDU!!!!!
* Mejor Montaje: 'REC'
+ mejor canción original: 'Fado de saudade'
+ Mejor música original: Roque Baños
+ Goya al mejor actor de reparto. El ganador es José Manuel Cervino
+ 'El orfanato" premio a los nejores efectos especiales
+ 'El orfanato' por mejor dirección artística.
+ El Goya al mejor vestuario es para Lena Mossum por 'Las 13 rosas'

Y LOS NÓMINADOS AL ÓSCAR SON.....

2008-01-23T03:57:00.000-08:00

Ya se conoce la lista de nominados a la estatuílla dorada, que a continuación detallo. Enhorabuena a JAVIER BARDEM Y ALBERTO IGLESIAS por ser los dos españoles que este año han conseguido colarse en la lista de favoritos.

Javier Bardem está soberbio en "No country for old men" y Alberto Iglesias es uno de los compositores españoles de bandas sonoras más memorables del cine español.

Mejor película
• 'Expiación'
• 'Juno'
• 'Michael Clayton'
• 'No es País para Viejos'
• 'Pozos de Ambición'

Mejor director
• Paul Thomas Anderson, por 'Pozos de Ambición'
• Ethan Coen y Joel Coen, por 'No Es País para Viejos'
• Tony Gilroy, por 'Michael Clayton'
• Jason Reitman, por 'Juno'
• Julian Schnabel, por 'La Escafandra y la Mariposa'

Mejor actor
• George Clooney ('Michael Clayton')
• Daniel Day-Lewis ('Pozos de Ambición')
• Johnny Depp ('Sweeney Todd')
• Tommy Lee Jones ('En El Valle de Elah')
• Viggo Mortensen ('Promesas del Este')

Mejor actriz
• Cate Blanchett ('Elizabeth, La Edad de Oro')
• Julie Christie ('Lejos de Ella')
• Marion Cotillard ('La Vida en Rosa')
• Laura Linney ('The Savages')
• Ellen Page ('Juno')

Mejor actor de reparto
• Casey Affleck ('El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford')
• Javier Bardem ('No Es País para Viejos')
• Philip Seymour Hoffman ('La Guerra de Charlie Wilson')
• Hal Holbrook ('Hacia Rutas Salvajes')
• Tom Wilkinson ('Michael Clayton')

Mejor actriz de reparto
• Cate Blanchett ('I'm Not There')
• Ruby Dee ('American Gangster')
• Saoirse Ronan ('Expiación')
• Amy Ryan ('Adiós Pequeña, Adiós')
• Tilda Swinton ('Michael Clayton')

Mejor película en lengua extranjera
• 'The Counterfeits' (Austria)
• 'Beaufort' (Israel)
• 'Mongol' (Kazajistán)
• 'Katyn' (Polonia)
• '12' (Rusia)

Mejor película de animación
• 'Persepolis'
• 'Ratatouille'
• 'Locos por el Surf'

Mejor guión original
• 'Juno'
• 'Lars and the Real Girl'
• 'Michael Clayton'
• 'Ratatouille'
• 'The Savages'

Mejor guión adaptado
• 'La Escafandra y la Mariposa'
• 'Expiación, Más Allá de la Pasión'
• 'Lejos de Ella'
• 'No Es País para Viejos'
• 'Pozos de Ambición'

Mejor canción original
• 'Falling Slowly', de Glen Hansard y Marketa Irglova ('Once')
• 'Happy Working Song', de Alan Menken y Stephen Schwartz ('Encantada')
• 'Raise It Up' ('August Rush')
• 'So Close', de Alan Menken y Stephen Schwartz ('Encantada')
• 'That's How You Know', de Alan Menken y Stephen Schwartz ('Encantada')

Mejor música original
• Dario Marianelli, por 'Expiación, Más Allá de la Pasión'
• Alberto Iglesias, por 'Cometas en el Cielo'
• James Newton Howard, por 'Michael Clayton'
• Michael Giacchino, por 'Ratatouille'
• Marco Beltrami, por '3:10 to Yuma'

ES UN MUNDO LIBRE... (It´s a free world...) de Ken Loach

2008-01-21T12:44:00.000-08:00

Dir: Ken Loach
Int: Kierston Wareing, Juliet Ellis, Leslaw Zurek, Colin Caughlin, Joe Siffleet, Frank Gilhooley, Radoslaw Kaim, Faruk Pruti, Branko Tomovic

Ken Loach siempre se ha caracterizado por contar historias con una marcada tendencia social y en esto su último film no va a decepcionar a sus más acérrimos seguidores. En este caso nos relata la historia de una mujer que se dedica a contratar a inmigrantes como trabajadores temporales en Inglaterra y su historia sirve de pretexto para narrar y profundizar en otro tema más importante, más real y en el que muchas personas se hayan sumergidas en la actualidad: el de la inmigración, la inmigración ilegal y todos los temas que rodean a esta triste realidad social.

Numerosos pequeños dramas son los que narra Paul Laverty, que se ha convertido en uno de los guionistas con los que Ken Loach colabora últimamente (suyo era el guión de los anteriores filmes de Loach como "El viento que agita la cebada", "Felices dieciseís" o "Pan y rosas").

La mirada de Loach no sólo se centra en los personajes, a los que sigue y describe con la precisión diseccionadora de un cirujano, sino que también abarca la ciudad de Londres en la que transcurre la historia y a la que convierte en otro personaje más, testigo mudo de lo acaecido. Loach se centra en este caso en el Londres que el turista no ve, el de los callejones sucios, el de los parkings de caravanas como hogar y el de las fábricas sucias con los trabajos peligrosos que nadie quiere hacer y que sólo los pobres infelices que llegan buscando mejorar su situación se atreven a llevar a cabo. Y es que como dice la protagonista "Es un mundo libre...". Un mundo libre en el que unos reciben beneficios a manos llenas a base del sudor de otros mientras que la mayoría malvive trabajando demasiadas horas al día en empleos éticamente cuestionables.

Ken Loach aborda el tema con sinceridad, y el espectador comprende que aunque la realidad que muestra el director es dura y complicada, el mundo real se intuye aún más espinoso y conflictivo.

En este caso, como en los de otras películas del mismo director, la trama de la historia es importante, pero también es relevante el papel de los personajes, y podemos ver cómo éstos evolucionan. Como en otras películas, Loach trabaja con los actores buscando la naturalidad y el realismo para componer unos personajes verídicos y reales. En este caso la mayor parte del peso actoral recae en Kierston Wareing, una actriz británica poco conocida que antes de este film había trabajado en algún videoclip y en algún papel secundario en pequeños culebrones televisivos. Tan mal veía el panorama la actriz que estaba pensando en retirarse del mundo de la interpretación cuando, como se suele decir, Ken Loach llamó a su puerta con este papel y trastocó sus planes y su mundo. Pese a tratarse de su primer papel protagonista Wareing soporta bien la presión y cada vez que aparece en pantalla llena ésta con la verdad y la rotundidad de su personaje. Han tardado en descubrirla pero seguro que no será el único papel como protagonista que interprete (y no tendrá que dejar el mundo de la interpretación) de hecho dentro de poco podremos verla en "Rise of the foot soldier" de Julian Gilbey.

El resto del reparto también ha sido elegido con gran acierto y logran una composición tan creíble de sus personajes que en muchos casos olvidas que estás viendo una película y parece que te hayes inmerso en un documental, o en la vida misma.

A ello también contribuye el hecho de que la mayor parte del film esté narrado cámara en mano, con una fotografía dura y realista de Nigel Willoughby quien no se pierde en embellecer la imagen. Esto es de agradecer porque no se trata de una historia bonita. Se trata de gritar a los cuatro vientos que lo que se está contando es real y está sucediendo. Y el preciosismo aquí no tiene lugar.

Una película redonda en suma, con la calidad en cuanto a realización a la que nos tiene acostumbrados Loach, y perfectamente arropada por la banda sonora de George Fenton, otro de los últimos colaboradores habituales de Ken Loach (suyas son las bandas sonoras de los últimos filmes de Loach, "El viento que agita la cebada" o "Felices dieciseis"). Si quereis pasar un rato de buen cine, con historia y trasfondo social, no dejeis escapar este film.

LA BANDA NOS VISITA (The Band´s Visit/Bikur Ha-Tizmoret) de Eran Kolirin

2008-01-21T07:49:00.000-08:00

Dir: Eran Kolirin
Int: Ahuva Keren, Imad Jabarin, Rinat Matatov, Ronit Elkabetz, Saleh Bakri, Sasson Gabai, Uri Gavriel

El viaje de una banda de músicos de la policía egipcia a Israel sirve de pretexto para narrarnos otro viaje menos concreto y más profundo: el viaje por la vida de cada uno de los personajes. Descubrimos en las experiencias de cada uno de los personajes que muchas veces nuestra historia es paralela y similar o puede servir de ayuda a otros que nos encontramos en el camino.

Perdidos en un pequeño pueblo israelí por diversos avatares del destino, la caridad de unos lugareños hacen que puedan pasar la noche bajo techo. No sucede más en la historia. Aparentemente. Porque tras esta superficie tan simple Eran Kolirin, también escritor del guión, ha sabido contar mucho más en su debut como director cinematográfico. Con la maestría del dominio de las pequeñas cosas, Kolirin nos habla de cómo estos músicos influyen y alimentan a los parroquianos, y como los lugareñs también influyen y hacen evolucionar a estos músicos. En definitiva Kolirin se centra en la riqueza de las relaciones humanas y nos obsequia con una pequeña moraleja: todo ser humano tiene algo que aportarnos.

Los actores están muy bien elegidos y bordan su interpretación, llenando de vida las frases de un guión realista y cuidado.

Kolirin ha optado por una realización sobria, sin alardes técnicos, y con abundancia de planos medios y americanos para hacer más realista y cercana esta historia. Con su estilo consigue momentos hilarantes y otros verdaderamente emotivos y tiernos.

Además resulta especialmente acertada la dura y áspera fotografía de Shai Goldman que nos obliga a profundizar en la dureza aparente de los personajes para descubrir su jardín interior. También resulta muy acertada (y en algunos momentos verdaderamente memorable) la música compuesta por Habib Shadah, que nos sumerge casi sin darnos cuenta y sin estridencias en la historia.

Sin duda se trata de una película que no debemos dejar escapar en el 2008. No sólo los espectadores son capaces de apreciar su belleza sino que la crítica y los jurados de muchos festivales ya le ha otorgado numerosos premios a esta coproducción entre Israel, Francia y EE.UU. Ha cosechado premios de la academia isrealí de cine, en Cannes se llevó el premio "Un certain regard", su director se llevó el premio a mejor director revelación en los premios europeos del cine, se ha llevado el premio a la mejor película en Tokio y en nuestro país consiguió hacerse en 52 Semana Internacional de Cine de Valladolid con el Premio a La Mejor Dirección Novel y al Mejor Guión. Sin duda no son los únicos premios que va a cosechar. Pero desde mi punto de vista, el premio más importante que ya ha cosechado es el de dar al espectador algo en qué pensar y una historia de la que disfrutar.

Leer critica de La banda nos visita en Muchocine.net

LA BODA DE TUYA (Tuya De Hun Shi) de Wang Quan'an

2008-01-19T04:50:00.000-08:00

Dir: Wang Quan'an
Int: Yu Nan, Bater, Senge, Peng Hongxiang, Zhaya

LLegó al Festival de Berlín con su sincera naturalidad y logrado naturalismo y se llevó, además de los corazones del jurado, el Oso de Oro de la 57 edición de este festival.

No posee un guión complicado de historia enrevesada, sino todo lo contrario. Esta película china nos cuenta las vicisitudes de Tuya, una mujer joven que cuida de sus hijos, de su marido inválido y del ganado en una región de Mongolia. Ella es fuerte y está curtida en el duro trabajo físico, pero su cuerpo se resiente. Si no desea morir (y con ella su familia) debe divorciarse de su marido (al que ama) y encontrar un nuevo marido que pueda hacerse cargo de la familia.

Wang Quan'an tampoco utiliza una realización artificiosa para contar la historia, sino que recurre al lema de cuanto menos complejo mejor. Abundan los planos largos, la cámara en mano para hacer sentir al espectador mayor verismo, y las composiciones equilibradas.

Posee una estética minimalista, pero fuerte en colores y elementos llamativos propios de la cultura donde trascurre la historia, que resultan visualmente impactantes para el espectador occidental.

Todo esto es el envoltorio en el que se nos presenta esta pequeña obra maestra. Lo realmente admirable de esta historia son el gran verismo de las interpretaciones y el hecho de que es una de esas películas que te llegan directas al corazón y son un soplo de aire fresco en la cartelera, saturada de films tópicos y aburridos. Ya podrían aprender ciertos guionistas y realizadores de esta película y del lema, menos es más. Hollywood debería darse cuenta que lo importante no son los grandes artificios, ni los fuegos artificiales más luminosos. Lo importante es tener una historia que contar y contarla con el corazón. Y eso es lo que logra admirablemente bien Wang Quan'an. Una conmovedora historia que nos permite colarnos en las vivencias de otras realidades coetaneas a las nuestras y nos regala una pequeña píldora de sabiduría: no siempre lo que parece que te va a hacer feliz es lo que te hará feliz.

No dejeis escapar este filme de cartelera, que aunque lleva desde octubre en cartel, en enero sigue llenando la sala en la que se proyecta.

Leer critica de La boda de Tuya en Muchocine.net

XXY de Lucía Puenzo

2008-01-08T10:40:00.000-08:00

Dir: Lucía Puenzo
Int: Ricardo Darín, Inés Efrón, Valeria Bertuccelli

De casta le viene al galgo y en este caso la ópera prima de Lucía Puenzo (hija del oscarizado Luis Puenzo)llega a nuestras pantallas avalada por la ristra de premios que lleva cosechados hasta la fecha (Gran Premio de La Semana de la Crítica y Premio Golden Rail de 2007 por ejemplo) y los que puede llegar a cosechar (ha sido seleccionada por Argentina como candidata a los Oscar y está nominada en los Goya en la categoría de mejor película hispanoamericana).

Si todo este despliegue de oropel no logra movilizar al espectador a visionar este film, le seguimos dando razones para no dejarse escapar este film que narra las tribulaciones de un hermafrodita de 15 años, aunque esto sirve para reflexionar más profundamente sobre la identidad individual y la búsqueda de sentido y pertenencia del individuo en la sociedad.

En primer lugar me gustaría destacar al siempre espléndido actor Ricardo Darín. Siempre es un lujo tener a este gran actor en el reparto de cualquier film porque logra dotar de vida y realidad a cuantos personajes interprete. En este caso hace un papel más que convincente de padre del hermafrodita, llenando la pantalla con su fuerza arrolladora. Pero no es el único actor que desempeña un gran papel. Todo el reparto logra un grado de naturalidad admirable, y detrás de ellos intuímos la mano de Lucía Puenzo, hasta ahora curtida como guionista televisiva, pero con grandes dotes para la dirección de actores, como este film demuestra. Me gustaría destacar especialmente la interpretación del hermafrodita a manos de Inés Efrón, una magistral interpretación que ya le ha valido el reconocimiento como mejor actriz en los premios Clarín.

En segundo lugar me gustaría destacar la fotografía de Natasha Braier, fría pero cercana, que retrata con una mirada nostalgica y glaciar la costa uruguaya.

También hay que destacar la banda sonora compuesta por Andrés Goldstein y Daniel Tarrab que se adapta como anillo al dedo a la progresión dramática de la historia.

En resumen, una película que no dejará indiferente a nadie.

INTERVIEW de Steve Buscemi

2008-01-03T08:52:00.000-08:00

Dir: Steve Buscemi
Int: Steve Buscemi, Sienna Miller

Interview es la cuarta película de Buscemi, uno de los actores fetiche de directores tan emblemáticos como Jim Jarmush, Tarantino o los hermanos Coen. En este caso Buscemi opta por adaptar un guión del desaparecido Theo Van Gogh, además de rodearse del equipo que generalmente reunía Theo, incluído su director de fotografía Thomas Kist. No acaban ahí las similitudes, Buscemi opta por el mismo estilo de realización que Van Gogh: tres cámaras en mano y unos actores libres para improvisar en este duelo actoral entre Buscemi y Miller.

Tras dos semanas de ensayo, nueve jornadas de rodaje y un planteamiento en tres actos que Steve Buscemi sentía que necesitaba la historia, obtenemos un resultado que es una verdadera bomba de relojería. Un combate actoral, una contienda entre dos personajes, donde nada es lo que parece y en la que sólo puede haber un vencedor. En palabras de Buscemi "es una guerra por el poder a partir del diálogo".

La acción transcurre en una noche, un periodista consagrado e intelectual tiene que hacer una entrevista a una actriz famosa, pero que elige proyectos vacuos y culebrones. Pese a las reticencias del periodista, iremos descubriendo que esta actriz tiene muchas facetas.

La carrera como actor de Buscemi ha hecho que consiga de sí mismo y de Sienna Miller una interpretaciones verosímiles y acertadas, donde el espectador va descubriendo que ni Buscemi es un periodista tan intelectual ni Miller la actriz rubia tan superficial como parece.

La historia nos habla del mundo de las apariencias y del mundo de los famosos desde una perspectiva que el espectador va a encontrar sumamente interesante. La narración se desenvuelve con buen ritmo y frescura y tras muchos giros todavía depara una sorpresa final al espectador.

A pesar de que siguiendo el estilo de Theo Van Gogh se ha dado mayor importancia a la frescura de las interpretaciones e improvisaciones, la cálida iluminación de Thomas Kist subraya la historia con la dosis justa de glamour y se convierte en el aliado perfecto de la narración.

Los próximos proyectos de Buscemi para el 2008 y 2009 son como actor, pero sin lugar a dudas con este film se descubre como un realizador con voz propia, y un director cuya trayectoria hay que seguir.

THE JANE AUSTEN BOOK CLUB de Robin Swicord

2008-01-02T07:50:00.000-08:00

Dir: Robin Swicord
Int: Maria Bello, Emily Blunt, Kathy Baker, Amy Brenneman, Maggie Grace, Jimmy Smits

Jane Austen, uno de los referentes de la literatura inglesa, se ha descubierto como un verdadero filón cinematográfico. Sus libros han sido objeto de varias adaptaciones cinematográficas y televisivas. Incluso su propia vida ha sido objeto de un film el año pasado, "Becoming Jane". En esta ocasión, haciendo algo parecido a lo que en su día hizo Stephen Daldry con "Las horas", se trata de ver cómo lo que escribía esta autora sigue igual de vigente en su época que en el siglo XXI. De hecho, incluso se basa en un libro, como la obra de Daldry, que en este caso escribió Karen Joy Fowler.

Un club de lectura reúne a 5 mujeres y un hombre en torno a los libros de la escritora. Cada uno con sus tragedias cotidianas, paralelas a las tragedias cotidianas de las que escribía Jane Austen. Y es que las relaciones humanas son un tema universal por naturaleza.

Una comedia romántica amable, que aporta poco desde el punto de vista de la realización y que tampoco indaga profundamente en la complejidad de los distintos caracteres humanos que muestra. Son personajes un tanto estereotipados, interpretados con corrección pero sin grandes aplausos, por el reparto elegido.

Se trata de la ópera prima de Robin Swicord, quien ya se ha labrado un nombre como guionista. Suyos son los guiones de Matilda, Prácticamente Magia, Mujercitas o Memorias de una geisha. Es un debut correcto y que no se salta ninguna de las normas de la comedia dramática que tan bien conoce Swicord, quien también firma el guión.

Una película para disfrutar un domingo por la tarde, pero de la que no cabe esperar ninguna reflexión sesuda o una puesta en escena innovadora.

NO COUNTRY FOR OLD MEN de Joel y Ethan Coen

2008-01-02T03:52:00.000-08:00

Dir: Joel y Ethan Coen
Int: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Kelly Macdonald

La violencia engendra violencia y no importa dónde trates de esconderte, el peso de tus acciones siempre volverá para darte una patada en el culo. Esto podría sintetizar el argumento de la última película de los hermanos Coen. Tras encontrarse por casualidad con los restos de un tiroteo, un americano medio (Josh Brolin), de esos que viven en una caravana en el país de las barras y estrellas, encuentra un maletín lleno de dinero y decide apropiárselo. Pero como ninguna acción queda impune, le descubren y envían a un psicótico sicario (Javier Bardem) para darle caza.

Desde el primer fotograma descubrimos cine en estado puro y una historia, escrita por los propios directores, que te va atrapando cada vez más. No es lo que cuentan, es una historia que seguramente has visto más de una vez, sino cómo lo cuentan. Una mirada reflexiva a la venganza, a la violencia, mediante un ritmo pausado, reflexivo y trepidante a la vez.

Además de su buen hacer desde el punto de vista de la realización, los hermanos Coen poseen genuino talento para la dirección de actores y logran unas impecables interpretaciones que sin lugar a dudas van a cosechar muchos premios (no en vano Javier Bardem está nominado a los Globos de Oro por este papel).

Los hermanos Coen nos descubren a un Bardem más visceral que de costumbre y ponen de relieve que este actor tiene muchos matices, pues en su papel descubrimos un trasfondo oscuro y maloliente que no le habíamos visto en pantalla. Tras una máscara de inexpresividad, son los ojos de Bardem los que nos hablan del personaje. Con una gran economía expresiva Bardem compone uno de los papeles más memorables, que sin lugar a dudas, se hará un hueco dentro de la historia del cine.

No es el único que está soberbio en su interpretación. Todos logran componer personajes creíbles mediante la mesura expresiva. Me gustaría destacar también la interpretación de Tommy Lee Jones en el papel de policía y voz de la experiencia, que aporta al espectador la narración de la historia desde otro punto de vista.

La fotografía un tonos ocres, rojos y marrones de Roger Deakins (director de foto habitual de los Coen) y la música de Carter Burwell (otro de los habituales de los Coen) se ajustan como anillo al dedo a esta historia, convirtiéndose en herramientas perfectas para dotar a la misma de mayores ecos de verismo y profundidad.

No country for old men, o como la han traducido aquí, No es un país para viejos, se convertirá en una de las películas que no hay que perderse de la cartelera española de 2008.

... Feliz Año Nuevo ...

2007-12-28T04:08:00.004-08:00

IRINA PALM de Sam Garbarski

2007-12-26T12:12:00.000-08:00

Dir: Sam Garbarski
Int: Mariane Faithfull, Miki Manojlovic, Kevin Bishop, Siobhan Hewlett

La segunda película de Sam Garbarski tuvo una buena acogida en el Festival de Berlín de 2007 (una gran ovación tras su proyección auguraba lo mejor para este film) pero al final no consiguió hacerse con el Oso de oro contra todo pronóstico.

Su protagonista, Mariane Faithfull, también ha cosechado buenas críticas en su papel de abuela, tanto como para ser nominada como mejor actriz por este rol en la pasada edición de los premios de cine europeos, que tampoco consiguió.

Y es que apesar de las bondades del film, como la correcta dirección de Garbarski o la sobria interpretación de Mariane, hay ciertos elementos que no te dejan con un sabor de boca de "película redonda". Para empezar, la banda sonora no ayuda en absoluto a la fluidez de la trama y obstaculiza, en vez de facilitar, el paso de una secuencia a otra. Ghinzu no logra crear una banda sonora memorable, en su debut como compositor de bandas sonoras cinematográficas, y todo lo que logra es una repetición del tema central que cansa y hastia al espectador a la vez que entorpece la narratividad.

Además, la cinta termina de una manera un tanto abrupta y con el típico "happy ending" tan propio de las películas comerciales americanas. El guión escrito a 6 manos por Philippe Blasband, Sam Garbarski y Martin Herron comienza con fuerza pero pierde intensidad e interés en la última mitad concluyendo, como ya he mencionado, de forma demasiado brusca.

Innegablemente la película se agarra al flotador actoral de Mariane Faithful, en quien recae todo el peso de la historia, como la abuela que se sacrifica para conseguir dinero para su nieto enfermo y para ello hará cualquier cosa, incluso trabajar en un sex-shop. Es el único personaje que la trama permite desarrollar en su totalidad, pues de los demás personajes sólo tenemos escuetos esbozos.

En resumen, se trata de una película amable sobre el amor filial que, pese a sus defectos, dejará un buen sabor de boca a aquellos que se animen a verla.

PETICIONES... BSO DE 30 DAYS OF NIGHT

2007-12-26T11:53:00.000-08:00

La BSO de este film ha sido compuesta por Brian Reitzel y aquí os dejo un par de pistas representativas para entender el clima de la película y la clase de atmósfera sonora que logra el film.

Prelude: Last day of sun. BSO/OST 30 days of night. Brian Reitzel

Daybreak. BSO/OST 30 days of night. Brian Reitzel

DEATH SENTENCE de James Wan

2007-12-26T06:21:00.000-08:00

Dir: James Wan
Int: Kevin Bacon, Kelly Preston, Garrett Hedlund, Jordan Garrett

La última película de James Wan, director de "Saw" vuelve a cumplir los postulados del grupo que la revista Total Film ha dado en denominar "Slat Pack". Si has visto "Saw" sabes a qué tendencia me estoy refiriendo: películas extremadamente violentas en las que ponen a prueba el estómago del espectador con actos agresivos explícitos. Muchas de ellas poseen un marcado caracter terrorífico.

Personalmente la violencia no me atrae, pero me dejé seducir por el argumento del film: un padre cualquiera de esa loca sociedad americana tiene la mala suerte de estar con su hijo en el lugar equivocado, en el momento equivocado y ve cómo su retoño muere a manos de unos atracadores. Fruto del azar queda atrapado en una inmensa telaraña de violencia y el descenso a los infiernos le hacen enfrentarse con su propia naturaleza. Cada vez más animal, cada vez más parecido a los asesinos de su hijo, presenciamos el brutal "ojo por ojo y diente por diente" entre él y el violento grupo de asesinos, hasta que sólo puede quedar uno.

Para narrar esta trepidante historia Wan opta por la cámara en mano en la mayor parte de las tomas. Ian Jeffers firma el guión, basado en la novela de Brian Garfield, echando mano de una imaginación desbordante para que cada asesinato sea más grotesco que el anterior.

Kevin Bacon tiene algún momento memorable desde el punto de vista interpretativo, como cuando se despide de su hijo pequeño. No obstante, cuando se convierte en "Terminator" el espectador tiene que hacer un notable esfuerzo imaginativo por creérsele en esas circunstancias y protagonizando esas acciones.

Gustará a los amantes de la acción, las armas y las imágenes un poco gores. Si eres de los que te mareas con la sangre, mejor abstente de verla.

... FELIZ NAVIDAD ...

2007-12-23T12:26:00.000-08:00

Pincha sobre el muñeco de nieve...

30 DIAS DE OSCURIDAD (30 DAYS OF NIGHT) de David Slade

2007-12-21T03:00:00.000-08:00

Dir: David Slade
Int: Josh Harnett, Melissa George

El cine de vampiros y monstruos vuelve a estar de moda. En este caso volvemos a hablar de la adptación de un comic, el escrito por Niles y Ben Templesmith y que Sam Raimise ha encargado de sacar del papel al celuloide.

Esta cinta nos narra la historia de una ciudad de Alaska en la que durante el invierno, hay 30 días en los que no ven la luz del sol. Con esta premisa de partida no resulta extraño que un grupo de vampiros descubra "por casualidad" esta pequeña localidad perdida en medio de la nada y decidan desangrar a todos sus habitantes para darse el gran festín. ¿Logrará sobrevivir alguno de sus habitantes? Tendréis que ir al cine para descubrirlo porque yo no os lo voy a contar.

Personalmente me ha parecido una película aburrida y predecible. Tenía esperanzas puestas en esta cinta ya que su director, David Slade, fue también el artífice de la inquietante golosina "Hard Candy" y confiaba en su buen hacer tras las cámaras. Sin embargo, el guión recurre a muchos tópicos sobre el tema, en este caso sin ahondar en la psicología de los agresores. No explica de dónde salen los vampiros realmente ni qué pretenden con esta acción.

La acción avanza a saltos y de manera gratuita y desde el punto de vista de la realización no hay nada realmente destacable. Los actores están correctos en unos papeles con poca profundidad dramática. Lo más destacable del film, los 4.000 litros de sangre artificial, 280 toneladas de nieve y cinco toneladas de gas propano empleadas. Ante estas cifras, el espectador avizado sabe que estamos ante uno de esos productos un poco gores y hechos para el consumo rápido que no pasarán a los anales de la historia del cine, ni siquiera del género.

Te gustará si eres un amante del género sin prejuicios y la detestarás si buscas algo más que entretenimiento en ella.

LOS CLIMAS de Nuri Bilge Ceylan

2007-06-25T14:22:00.000-07:00

DIR: Nuri Bilge Ceylan
INT: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Nazan Kirilmis

El Festival de Cannes concedió a esta cinta el Premio de la Crítica Internacional en 2006 y ahora se desliza en nuestra cartelera. "Los climas" nos cuenta la historia de amor-desamor de una pareja y aunque el planteamiento pueda resultar sencillo, esta historia oculta otras, como en la vida misma.

Lo realmente interesante, por lo menos para mí, de ver otras cinematografías (en este caso es una película turca en coproducción con Francia) es descubrir otras maneras de contar, otras formas de ver la realidad que nos rodea e impregnarla en el celuloide a 24 fotogramas por segundo. En este caso Nuri Bilge se decanta por un ritmo lento, largos planos secuencia sin mover la cámara y composiciones que buscan sembrar en el espectador un algo más allá de lo que se está contando. Puede parecer que no pasa mucho en el filme, pero por dentro de los personajes está pasando muchísimo. Muchas veces es más importante lo que callamos que lo que contamos.

En alrededor de 100 planos (una película de la misma duración suele tener casi tras veces más cantidad de planos) el director Nuri Bilge, apoyándose en la simplicidad técnica más absoluta, se adentra perversamente en las almas de los personajes que retrata con su cámara, para descubrir la complejidad psicológica humana y descubrir que las razones que nos causan la felicidad y la infelicidad son siempre las más sencillas.

Recomendaría este filme a todos aquellos amantes del cine de autor, que no les dé miedo probar cosas nuevas y que disfruten la vida a ritmo pausado, que sean observadores de su entorno y de la condición humana. Sin embargo aquellos que disfruten con la velocidad, la estética y el ritmo videoclip, deberían abstenerse de ver esta película, porque no van a conseguir sintonizar con la lenta cadencia que desde el primer momento imprime el realizador al filme.

ENTREGA DEL PREMIO GONZALEZ SINDE AL FESTIVAL DE NANTES

2007-06-21T08:22:00.000-07:00

Hoy se ha entregado en la Academia de Cine un premio a la labor que el Festival de Nantes ejerce, dando a conocer nuestro cine.

Me gustaría reflexionar sobre algo que se ha dicho en la rueda de prensa y es que de alguna manera el cine sirve allí en Nantes como un estímulo para que la gente quiera conocer nuestra cultura, para que incluso se decida a estudiar nuestra lengua.

Nunca lo había visto así pero es de alguna manera la "tarjeta de presentación" de un país de cara al extranjero, una herramienta para extender y sembrar nuestro modo de ser y de pensar en los demás.

Me gustaría plantear una cuestión, ¿creeis que la actual ley del cine va a mejorar o empeorar esto? Mucho se ha dico ya, lo sé, pero me gustaría saber qué opinais vosotros.

A continuación os dejo la rueda de prensa íntegra.

http://www.divshare.com/download/1027785-a18

OPINIONES SOBRE ESTE MAKING OF

2007-06-21T08:18:00.000-07:00

Me gustaría saber qué opinais con respecto a este making of. La verdad es que se ve un poco mal pero...

Muchas gracias!!

SHREK TERCERO

2007-06-20T02:33:00.000-07:00

DIR: Chris Miller
INT: Myke Miyers, Eddie Murphy, Cameron Díaz, Antonio Banderas

Que algo anda mal en Hollywood no es noticia. Se habla de crisis de ideas. No hay más que pararse a ver qué clases de productos nos están llegando de la patria de MacDonalds: remakes, terceras, cuartas, quintas partes de, recurrir a adaptar historias que se presupone de antemano van a tener un público fiel (por ejemplo, el de los comics), películas insustanciales y con muchos efectos especiales, en definitiva, son las que estos días inundan nuestras carteleras.

Ahora le toca el turno a Shrek Tercero. No es un peliculón y tampoco resulta divertida como era la primera parte (de hecho tienes suerte si consigue arrancarte una sola carcajada). Es simplemente un producto más de la agotada "fábrica de sueños californiana", un producto para consumir rápido y luego olvidar.

La historia no consigue enganchar. En este caso Shrek va en busca del nuevo rey de "Far far away" mientras "Prince Charming" planea derrocarle e investirse él mismo rey. Y en algún momento, que presencias con los ojos como platos, la historia se convierte en la típica comedia de instituto yankee.

Las interpretaciones son correctas y acordes a lo que se espera de ellas. Si al final os vais a atrever a dejaros caer por el cine para verla os recomiendo que por lo menos la veais en original. Ahora, no digais que no estábais advertidos!!

PETICIONES DEL OYENTE..... LA MÚSICA DE AMELIE

2007-06-17T03:08:00.000-07:00

Ahora que Audrey Tatou está presente en las carteleras españolas con su comedia romántica "Un engaño de lujo" (teneis la crítica de la película en este mismo blog, en las entradas de mayo AQUÍ), para muchos se forma en la mente, inevitablemente, el recuerdo de su personaje en "Amelie", film de Jean Pierre Jeunet, con el que alcanzó fama mundial.

Esta película no sólo cubrió de honores al equipo artístico del film, sino que también hizo que el compositor de la banda sonora, Yann Tiersen, alcanzara un gran reconocimiento público. Para todos aquellos fans del trabajo de Yann Tiersen deciros que además de la banda sonora de Amelie, también se ha encargado de la banda sonora de "Goodbye Lennin".

Aquí os dejo uno de los temas característicos de la banda sonora de Amelie. Se titula "La noyee".

LA NOYEE---BSO AMELIE; YANN TIERSEN

Una canción de la banda sonora de BAJO LAS ESTRELLAS

2007-06-14T09:09:00.000-07:00

STELLA BY STARLIGHT (de ENRIQUE MORENTE perteneciente a la banda sonora de BAJO LAS ESTRELLAS)

BAJO LAS ESTRELLAS, de Félix Viscarret

2007-06-14T06:37:00.000-07:00

DIR: Félix Viscarret
INT: Alberto San Juan, Emma Suárez, Julián Villagrán, Violeta Rodríguez

De unos años a esta parte, numerosos directores nóveles están consiguiendo proyectar sus óperas primas en las grandes pantallas, con calidades desiguales. No es el caso de este film, que a pesar de ser el primer largometraje de este director muestra una gran madurez con su puesta en escena y hace un planteamiento sólido e interesante en lo referente a guión y montaje.

Precedida por los galardones obtenidos en en Festival de Málaga en el 2007 (mejor película, mejor director, mejor actor y mejor guión novel) estoy segura de que va a tener un largo recorrido tanto en salas comerciales como en premios (recordemos el caso similar de Azuloscurocasinegro que tantas satisfacciones ha dado a su director Daniel Sánchez Arévalo).

Viscarret ha adaptado la obra de Fernando Aramburu "El trompetista del Utopía" para
narrar, sin caer en el sentimentalismo barato, la historia de un músico que regresa a su pueblo natal para enterrar a su padre. El reencuentro con su hermano, la novia de éste y la hija de su novia le cambiarán completamente la vida, y es que como reza su slogan, "todos merecemos una segunda oportunidad".

Especialmente memorable es la relación que Viscarret consigue plasmar en 24 fotogramas por segundo entre el trompetista (Alberto San Juan) y la niña (Violeta Rodríguez), una relación real y cinematográfica como la vida misma.

En verdad hay que destacar el trabajo de Alberto San Juan, como uno de los mejores de su carrera, y la elección de Violeta Rodríguez también ha sido muy acertada. Tal vez el trabajo de Julián Villagrán destaque menos por ser un personaje más llevado al extremo, incluso en ocasiones, como una caricatura del artista diferente y excéntrico.

Álvaro Gutiérrez, el director de fotografía, consigue una magnífica iluminación, en ocasiones casi mágica, y con regusto a los años 70. El uso de unos estupendos contraluces apoya estupendamente el hilo narrativo y el tono del largometraje.

La música de Mikel Salas, en ocasiones con reminiscencias a películas del oeste, ofrece el perfecto contrapunto y subrayado musical a una historia que podría caer en el tópico pero consigue elevarse a la altura de una propuesta interesante que dejará un buen sabor de boca a todos aquellos que se animen a verla.

un poco de música

2007-06-13T11:37:00.000-07:00

limp blizkit--BEHIND BLUE EYES

SVEN NYKVIST--CULTO A LA LUZ

2007-06-12T03:22:00.000-07:00

Estos días ha caído en mis manos un maravilloso libro titulado "Culto a la luz" en el que se repasa la vida y obra del gran director de fotografía Sven Nykvist, quien lamentablemente falleció el 20 de septiembre de 2006.

Si teneis oportunidad no dejeis de leer este libro porque, además de ameno, cuenta muchísimas anécdotas que le sucedieron con los grandes directores con los que tuvo ocasión de trabajar: Igmar Bergman, Louis Malle, Tarkosky, John Huston, Woody Allen.... como veis son grandes nombres de la historia del cine, y seguro que habeis visto alguna película en la que él fuera el director de fotografía.

De las películas que he visto que él ha iluminado me gustaría destacar "Persona", de Bergman, por el uso expresivo que hace de la luz.

Su estilo se basaba en una iluminación lo más natural posible, huyendo de la luz artificial, de los excesoso de iluminación y usaba al máximo la luz natural de la que disponía.

CRÍTICA DE TIDELAND

2007-06-04T07:43:00.000-07:00

TIDELAND
Dir: Terry Gilliam
Int: Jodelle Ferland, Jeff Bridges, Jennifer Tilly

Con dos años de retraso lleva a nuestras pantallas el próximo 8 de junio "Tideland", la última película de Terry Gilliam. Ni el Premio FIPRESCI que consigíó en el Festival de Cine de San Sebastián en 2005 han conseguido hacerle un hueco en la cartelera española a este film, duro de digerir, y que provoca reacciones encontradas en los espectadores que tienen oportunidad de verlo.

Para muestra un botón. Cuando se pasó la película en Donostia más de la mitad de los espectadores abandonaron la sala. Incluso los críticos abandonaban la proyección con el estómago revuelto. Gilliam tampoco se ganó el aprecio de los periodistas cuando en la rueda de prensa posterior al film calificó de estúpidos a los espectadores que se habían salido de la sala por no poder aguantar más los avatares de la niña y el cadaver.

Inspirada libremente en la novela homónima de Mitch Cullin, el cineasta cuenta la historia de una niña, cuyos padres son yonkis en la ciudad y que por avatares del destino queda huérfana en el campo. Sin embargo en esta ocasión el director de filmes tan emblemáticos como "12 monos" o "Brazil" se pasa casi al sadismo más gore y macabro para narrar esta historia que él dice hay que ver con "ojos de niño" y en la que la línea entre la realidad y la ficción es muy estrecha.

A pesar de su paso por Donostia y del galardón que allí recibió, esta cinta no ha gozado de buenas críticas y supone un punto y aparte en la carrera de este cineasta.

Desde mi punto de vista hay momentos demasiado truculentos que rayan en el sadismo y que tampoco aportan realmente nada a la historia (como todo lo que le sucede al cadaver) y tampoco me convence la interpretación de Jodelle Ferland, quien por entonces contaba con 10 añitos, y que en ocasiones me parece demasiado exagerada.

Tal vez gustará a todos aquellos incondicionales (pero REALMENTE incondicionales) de Terry Gilliam.

Sin embrago, todos aquellos que no tengan un estómagoa prueba de bombas lo van a pasar realmente mal porque hay momentos realmente macabros en la película.

OTROS DIRECTORES NOMINADOS AL ÓSCAR

2007-06-02T04:30:00.000-07:00

Antes que Borja Cobeaga y Javier Fesser obtuvieran sus nominaciones, hubo otros dos directores españoles que consiguieron obtener una nominación al mejor corto en los Óscar. Ellos son Nacho Vigalondo con "7.35 de la mañana" y Juan Carlos Fresnadillo con "Esposados". Lamentablemente ellos tampoco consiguieron llevarse la estatuilla a casa, pero consiguieron dar el salto al largometraje...

7.35 DE LA MAÑANA

PSICOTAXI... Esposados no está en Youtube, pero esta esta otra pequeña joyita, para todos aquellos fans de Alejandro Jodoroswky

DOS DE LOS CORTOS NOMINADOS AL ÓSCAR EN EL 2007

2007-06-01T15:39:00.000-07:00

En 2007 Borja Cobeaga (con "Éramos pocos") y Javier Fesser (con "Binta y la gran idea") fueron dos de los cortos nominados en la categoría de corto de ficción en la edición de los Óscar de 2007. Por desgracia ninguno de los dos se llevó el premio, pero fueron otra nota "española" en esta edición, en la que "El laberinto del Fauno" (coproducción México-España) arrasó.

ÉRAMOS POCOS

BINTA Y LA GRAN IDEA

Y COMO EL DÍA VA DE CORTOS

2007-06-01T15:35:00.001-07:00

También me gustaría dejar por aquí "Digital", de Elías León Siminiani. Espero que lo disfrutéis tanto como lo disfruté yo.

DIGITAL

CORTOMETRAJES

2007-06-01T15:30:00.000-07:00

Aquí dejo dos hallazgos de Youtube, "Express" y "Pene", dos cortometrajes de Daniel Sánchez Arévalo

EXPRESS

PENE

HELLO /// HOLA /// BONJOUR !!!

2007-05-31T03:54:00.000-07:00

Hi there, first of all I would like to thank you all for your visits to "Cinecatessen" and I would like to ask a favour from you... I´d really apreciate it if you left a comment on the photos, if you find them interesting. Thanks again... and see you soon!

Hola a todos, primero me gustaría daros las gracias por entrar en "Cinecatessen" y me gustaría pediros un favor... me gustaría muchísimo que dejárais un comentario sobre las fotos, si las encontrais interesantes. Gracias de nuevo... y nos vemos pronto!

Merci pour votre visits. Si vous aimez les photos je voudrias qui vous laisser un comment. Merci beaucoup, a tout a l´heure!!!

DOLLY

2007-05-31T03:52:00.003-07:00

DOLLY 15
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DOLLY

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DOLLY

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DOLLY

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DOLLY 14

2007-05-31T03:43:00.001-07:00

DOLLY 14
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Foxy Lady

2007-05-31T03:39:00.001-07:00

Foxy Lady
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Foxy Lady

2007-05-31T03:38:00.001-07:00

Foxy Lady
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dolly

2007-05-31T03:37:00.001-07:00

dolly
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TRAUMALOGIA

2007-05-31T03:35:00.000-07:00

TRAUMALOGIA

2007-05-31T03:31:00.000-07:00

TRAUMALOGIA

2007-05-31T03:27:00.000-07:00

DOLLY

2007-05-31T03:22:00.000-07:00

DOLLY

2007-05-31T03:18:00.000-07:00

DOLLY

2007-05-31T03:13:00.000-07:00

SUEÑOS DE CIELOS POLAROID

2007-05-28T15:05:00.000-07:00

MADRID EN CUATRICOMIA

2007-05-27T14:17:00.000-07:00

Porque cada ciudad tiene su historia...

2007-05-27T12:51:00.000-07:00

Cada ciudad tiene su historia y en ocasiones algunas de ellas terminan plasmadas a 24 fotogramas por segundo, otras acaban en tinta y papel y otras en imágenes para conservar en nuestra retina.

CRÍTICA DE CINE

2007-05-19T09:18:00.000-07:00

UN ENGAÑO DE LUJO
Dir: Pierre Salvadori
Int: Audrey Tatou, Gad Elmaleh

Audrey Tatou, la entrañable Amelie, abandona su disfraz de dúlce y tierna para encarnara una "devora hombres", una mujer guapa y cosmopolita que utiliza a los hombres para que le den su dinero y una vida de lujo. Todo le va aparentemente bien con su acaudalada pareja hasta que un tímido trabajador de un hotel se enamora perdidamente de ella. Como ella sólo sale con personas de "alto standing", éste se hace pasar por multimillonario. Y como la verdad siempre tiene forma de salir a la luz, cuando se descubre todo el pastel ya tenemos la típica comedia romántica.

Sólo que en este caso el film no funciona. A los dos personajes protagonistas les falta el encanto necesario para que te creas sus personajes (y verdaderamente resulta penoso ver a Amelie intentando ser lo que no es, una loba con muchas curvas). De hecho hay hasta algún guiño a la película de Jeunet, pues a Salvadori se le ocurre subir a los dos protagonistas a una motocicleta (a alquien le suena?).

La realización de Salvadori es convencional y anquilosada y como ya he dicho las interpretaciones de los actores no ayudan a suplir las carencias argumentales o rítmicas de este film.

No gustará ni a los incondicionales de Audrey Tatou, ni a los amantes de la comedia romántica...Pronostico que durará poco en cartelera.

CRÍTICAS DE CINE

2007-05-19T08:38:00.000-07:00

ZODIAC
EE.UU (2007)
Dir: David Fincher
Int: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr

Las luces de la sala por fin se apagan y yo me pregunto con qué David Fincher nos vamos a reencontrar a 24 fotogramas por segundo tras sus cinco largos años de silencio y ausencia del séptimo arte (o vicio, como se quiera mirar). ¿Será el David Fincher de Seven, el de El club de la lucha o el de los alardes con la cámara de La habitación del pánico?

Desde el primer fotograma observamos que Fincher ha decidido abandonar la línea estética que en La habitación del pánico le hiciera meter la cámara através del asa de una cafetera para mostrar un planteamiento visual más reposado, adecuado para narrar esta historia que "observa" todo el proceso de una investigación criminal a lo largo de casi veinte años. No abandona Fincher, sin embargo, esa tendencia a unir la infografía con el celuloide como sólo él sabe hacer magistralmente (nada más hay que recordar esos títulos de crédito de La habitación del pánico o "la casa ikea" de El club de la lucha) y hay momentos en que fusiona el elemento esencial de la investigación, la escritura del asesino, con las imágenes de una forma muy original.

No es la primera vez que David Fincher aborda el tema de los asesinos en serie. Ya lo hizo con Seven. En esta ocasión parte de un acontecimiento real, una investigación real, para crear ficción. Desde mi punto de vista en este caso Fincher nos habla, más que del asesinato, de la fatalidad de las obsesiones, pues todos los que se involucran con el caso y se obsesionan con él terminan destruyendo sus vidas, igual que el asesino mataba a sus víctimas.

Una realización impecable que tal vez peca en algunas ocasiones de demasiados saltos espacio-temporales que pierden un poco al espectador en cuanto a la continuidad de los acontecimientos en la narración. A pesar de todo yo echo de menos la estética y ritmo del que dotó a la que para mí sigue siendo su obra maestra, El club de la lucha.

En la actualidad David Fincher se encuentra compitiendo en Cannes con este film, que la crítica parece haber aplaudido bastante.

La película gustará a los incondicionales del director y a todos aquellos interesados en las películas de detectives.

No gustará a aquellos que odien las historias con saltos en el tiempo.

Anécdota final: para todos aquellos cinéfilos una perlita que desvela este film, Harry el sucio está basado en el mismo caso de asesinatos en serie de EE.UU, sólo que en el caso de Harry el sucio el asesino firmaba como Escorpio y no como Zodiac.

ORSON WELLES

2007-05-17T07:35:00.000-07:00

ORSON WELLES, EL GENIO AUTORITARIO

George Orson Welles, actor, director, guionista, productor..., nació el 6 de mayo de 1915 en Wisconsin en el seno de una familia acomodada. De su madre heredó sus dotes musicales de las que hizo gala a la temprana edad de cinco años. Su madre murió cuando Welles tenía solo nueve años, esto le marcó (aunque él siempre lo negó) influyendo en su obra cinematográfica, en personajes como Mrs. Kane de Ciudadano Kane y Fanny Minafer de El Cuarto Mandamiento. Con tan sólo solo doce años perdió también a su padre, quien le legó una cuantiosa herencia que le permitió hacer, literalmente, lo que quiso. Primero intentó entrar en la compañía teatral de Dublín, logrando hacerse un hueco para trabajar con Katharine Cornell.

A mediados de los años 30, se estableció como un actor de radio en programas como The March of Time o The Shadow, entre otros. Revolucionó las posibilidades expresivas radiofónicas en las dramatizaciones que elaboró para la Mercury. Todos hemos oído hablar de La guerra de los mundos y de cómo EE.UU se dejó dominar por el pánico. Dicha retransmisión dió fama mundial a Orson Welles.

En agosto de 1939 firmó un contrato con la RKO para rodar al menos un filme por año con total libertad. Así, el 30 de julio de 1940 comienza en rodaje de “Ciudadano Kane”, su primer filme, que pese a ser bien acogido por crítica y público fue un desastre financiero. CIUDADANO KANE se enfrentó a problemas de distribución y exhibición por la campaña en contra de Hearst, pues el film trata de una pseudobiografía del gran magnate de la prenss. A pesar de todo, obtuvo nueve nominaciones al Óscar y se llevó el premio al mejor guión adaptado.

La segunda película de Welles para la RKO, EL CUARTO MANDAMIENTO (1942), una adaptación de la novela homónima de Booth Tarkington, era un film más convencional, en el que que utilizó las mismas técnicas que en Ciudadano Kane (grandes angulares, mucha profundida de campo, cámara a ras del suelo, mostrar techos...). No sólo fue un fracaso comercial, sino que se cortaron aproximadamente 55 minutos de metraje y se cambió el final sin pedir la aprobación de Welles.

Tras el gran fiasco de El Cuarto Mandamiento, la reputación de Welles sufrió un golpe del que jamás se recuperaría. Welles y los actores del Mercury fueron despedidos de la RKO.

Después de estos fracasos, pasó algunos años actuando en películas. No fue hasta 1946 cuando volvió a ponerse tras las cámaras para dirigir El extranjero (The stranger), cinta que narra cómo un criminal de guerra nazi se esconde en un apacible pueblo. Además de dirigir el film encarnó al personaje protagonista. Tras EL EXTRAÑO dirigió LA DAMA DE SHANGHAI (1948), una impresionante muestra del cine negro protagonizada por Welles y Rita Hayworth. El final en la sala de los espejos es un soberbio ejemplo del poderoso don de Welles para crear impactantes imágenes visuales.

A continuiación Welles volvió su mirada hacia Shakespeare y comenzó a llevar a la pantalla algunas de las obras más emblemáticas de dicho dramaturgo. Así filmó MACBETH (1948), OTHELLO (1952), que ganó el Gran Premio del Festival de Cannes y CAMPANADAS A MEDIA-NOCHE (1966).

Pero no sólo de Shakespeare vivía Welles, pues junto a estas obras shakesperianas también rodó con dinero español y francés MR: ARKADIN (1955), otro retrato de la vida de un hombre poderoso.

Welles regresó a Hollywood para actuar y dirigir SED DE MAL (1958), una obra maestra absoluta del cine negro. Esta película se ha hecho famosa, por el plano secuencia del comienzo, en el que Welles gastó todo el presupuesto inicial.

Tras haber adapatado a Shakespeare, Welles se atrevió con Kafka y filmó EL PROCESO (1963), una extensión en forma de pesadilla de esa misma visión, donde presenta una sociedad completamente desprovista de un sentido moral

A partir de aquí, su carrera comienza un estruendoso declive, lleno de proyectos inacabados. Intentó llevar a cabo un proyecto que sería retomado más adelante por el australiano Phillip Noyce, The Deep (que más tarde sería Calma Total); también podríamos hablar de Don Quichote, o de The other side of the wind, entre otros.

Su último film completo, FRAUDE (1978), en el que mezcla documental y ficción, y que pretende investigar la línea que separa la realidad de la ilusión.

En el momento de su muerte, Welles se encontraba trabajando en THE OTHER SIDE OF THE WIND, un proyecto que empezó a filmar en los setenta. Obviamente autobiográfico, era la historia de un famoso cineasta (interpretado por el buen amigo de Welles, John Huston) luchando por encontrar financiación para su película. Fue un triste e irónico fin para un cineasta indomable que fijó los estándares de la narrativa moderna en el cine, y el hombre que fue, en palabras de Martin Scorsese, "responsable de inspirar a más gente para ser directores que ningún otro en la historia del cine".

Orson Welles murió en 1985 en Los Ángeles, de un cáncer. Sus cenizas reposan en el jardín de una casa en Sevilla.

Welles ha sido uno de los grandes renovadores de la gramática cinematográfica y que su obra supone un antes y un después en la historia del cine. Sus innovaciones aún siguen vigentes y es por ello que sus películas aún resultan modernas para el espectador actual.

CRITICAS DE CINE

2007-05-17T05:29:00.000-07:00

CHROMOPHOBIA /ALTA SOCIEDAD
Reino Unido/Francia/EE.UU (2005)
Dir: Martha Fiennes
Int: Clive Carter, Ben Chaplin, Penelope Cruz, Ralh Fiennes, Kristin Scott Thomas, Damian Lewis

La segunda película de Martha Fiennes como directora no convence a la crítica y habremos de esperar hasta su estreno, el 18 de mayo, para saber si convence al público español. En el 2005 esta cinta clausuró el Festival de Cannes y ha tenido que esperar, por razones que ni la propia directora conoce, hasta 2007 para poder estrenarse en salas cinematográficas. Como nota curiosa, se estrenará antes en España que en el Reino Unido.

Martha Fiennes narra al vacío existencial en la refinada y acartonada alta sociedad inglesa a través de la vida de un abogado de éxito (Damian Lewis) y su mujer (Kristin Scott Thomas), una marchante de arte. Sin embargo, todo el planteamiento narrativo es ampuloso, abusando en exceso de una planificación que se deja llevar por la grandiosidad de los ambientes y de una banda sonora excesivamente alta.

No destaca ningún actor y nuestra Penélope hace aguas en cuanto a credibilidad encarnando el papel de una prostituta de lujo venida a menos aquejada de cáncer.

Gustará a todos aquellos fans de "Pe" y "El Paciente Inglés" pues repite la pareja protagonista de ese film en este, desde una relación filial esta vez.

No gustará a aquellos que consideren que las carencias narrativas y rítmicas no se solventan a través de la música a demasiados decibelios.

TODD SOLONDZ

2007-05-17T05:07:00.000-07:00

Todd Solonz, la ironía de la crueldad

Mucho se ha dicho de este director, nacido en 1959 en New Jersey, USA, pero ciertamente, sus películas no dejan indiferentes a nadie. O bien te enamoran o bien las odias. Este ex alumno de Yale hizo un master en cine y televisión en la New York University Film School, donde destacó con su cortometraje Schatt's Last Shot (1985). Tras este premiado corto llegó un jugoso contrato para hacer tres películas con la 20th Century Fox y otro con Columbia, que Solondz rechazó. Todo parecía prometedor, y gracias a la financiación de Polygram y la distribución de The Samuel Goldwyn Company, pudo producir su primer largometraje Fear, Anxiety and Depression, (que él hubiera preferido llamar The Young and the Hopeless) en 1989. El resultado fue un auténtico fiasco. Esta comedia, ambientada en la burbuja artística neoyorquina y protagonizada por él mismo y Stanley Tucci, fue destrozada por la crítica: lo acusaron de querer ser Woody Allen sin entender a Woody Allen.
Tras esto Solondz abandonó la “profesión” (o la profesión lo abandonó a él, como a él le gusta decir en tono jocoso), y estuvo trabajando en Nueva York enseñando inglés a extranjeros, inmigrantes rusos principalmente.
Y así pasaron 6 años, hasta que se decidió a rodar en 1995 "Welcome To The Dollhouse" (en España Bienvenidos a la casa de las muñecas y cuyo título original era Faggots and retards: "Putos y retrasados") con apenas 800 mil dólares. Siempre fiel a su visión mordaz e irónica del mundo, en esta ocasión su punto de mira era el mundo preadolescente de una chica de once años, la fea y rara del colegio (papel interpretado por Heather Matazzo). Su particular sentido del humor le valió, en esta ocasión, el Gran Premio del Festival de Sundance en 1996. Esta película consiguió, además de grandes críticas, grandes recaudaciones en taquilla.
Tras este apabullante éxito, Todd Solondz ya tenía un nuevo guión en la recámara, “Happiness”(1998), que nadie se atrevía a rodar. Finalmente October Films, una filial de Universal, aceptó el reto y le financió la película. En palabras del director: “Sólo quería distinguir entre la verdadera felicidad y eso con lo que generalmente la confundimos. No somos realmente felices porque nos compremos algo o nos acostemos con alguien. Eso, en el mejor de los casos, funciona como paliativo temporal, pero después todo vuelve a ser como era. Por eso es que Happiness aspira a mostrar esas capas en nuestras vidas que no siempre estamos dispuestos a ver. Quise mostrar esas personas que no sólo las ven sino que viven en ellas. Mostrar que puede haber personas con las que simpatizamos que pueden cometer atrocidades y sentirse felices mientras las cometen. Aunque después vuelvan a ser infelices”. Pero no fue así como lo vieron los de la October Films. En esta película también se habla de la pedofilia y fue por esta razón que Solondz se quedó sin distribuidora. Tuvo que estrenar la película en los pocos cines independientes que se atrevieron a hacerlo y tuvo que salir a dar explicaciones por un guión que escribió a partir de historias reales, tomadas de los diarios y grabadas de la TV: "No me interesa la pedofilia en sí. La película no es sobre una perversión, sino sobre personas que intentan conectarse”. Pese a todos los problemas, su polémico director volvió a conseguir un importante premio: ganó por votación unánime el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1998.
Tras esto llegó “Storytelling”(2001) donde habla de las relaciones entre estudiantes y relaciones entre padres e hijos. Dividida en dos partes bien diferenciadas, Fiction y Non fiction, presenta dos historias marcadas por su sello personal, su particular ironía, y que a primera vista no tienen nada en común. En la primera se explora el tema de la búsqueda del éxito personal en una clase de estudiantes de literatura. En la segunda se tocan temas como el sexo, la raza, la fama y la manipulación, enmarcados dentro de la historia de una típica familia media americana.

Su última película es "Palindromes" (2004) en la que nos cuenta la particular historia de Aviva, una niña que desea tener un bebé sobre todas las cosas. Con ella, nos adentramos en su particular búsqueda de cómo ser madre, mientras el personaje de Aviva lo encarnan diferentes actores, incluso un varón.

Las claves del estilo de Solondz son la ironía, el sarcasmo, la mordacidad y un particular sentido del humor que te hace echar una carcajada que se congela a medio camino cuando comprendes la gravedad moral de lo que estás viendo. Ciertamente, es notable su capacidad de mostrar la realidad de manera cruda, sin condimentos rosas tan propios de otras películas americanas. Él mismo define sus películas como “comedias, pero muy tristes y dolorosas”. Para él, reconocer nuestra crueldad nos hace humanos. Y, sin duda, sus filmes son una gran catarsis en lo que a crueldad se refiere, pues no escatima recursos para mostrar al espectador inteligente todas las trampas -crueles y dolorosas- de la sociedad en la que vivimos inmersos.
Toca todos los temas escabrosos, todos los tabúes, sórdidamente, con una violencia visual que a veces desconcierta, pero que es efectiva, al mostrar los engranajes sociales más arcaicos, que todos escondemos en el fondo de nosotros. Y nos los desmonta, para que nos preguntemos en qué clase de mundo vivimos y nos hagamos conscientes de nuestras propias limitaciones y monstruosidades.

CINECATESSEN

UNA PALABRA TUYA de Ángeles González-Sinde

...

NEVANDO VOY de Maitena Muruzábal y Candela Figueira

CINECATESSEN en MOGULUS

AND THE OSCAR GOES TO......

PREMIOS GOYA 2008

Y LOS NÓMINADOS AL ÓSCAR SON.....

ES UN MUNDO LIBRE... (It´s a free world...) de Ken Loach

LA BANDA NOS VISITA (The Band´s Visit/Bikur Ha-Tizmoret) de Eran Kolirin

LA BODA DE TUYA (Tuya De Hun Shi) de Wang Quan'an

XXY de Lucía Puenzo

INTERVIEW de Steve Buscemi

THE JANE AUSTEN BOOK CLUB de Robin Swicord

NO COUNTRY FOR OLD MEN de Joel y Ethan Coen

... ** Feliz Año Nuevo ** ...

IRINA PALM de Sam Garbarski

PETICIONES... BSO DE 30 DAYS OF NIGHT

DEATH SENTENCE de James Wan

... FELIZ NAVIDAD ...

30 DIAS DE OSCURIDAD (30 DAYS OF NIGHT) de David Slade

LOS CLIMAS de Nuri Bilge Ceylan

ENTREGA DEL PREMIO GONZALEZ SINDE AL FESTIVAL DE NANTES

OPINIONES SOBRE ESTE MAKING OF

SHREK TERCERO

PETICIONES DEL OYENTE..... LA MÚSICA DE AMELIE

Una canción de la banda sonora de BAJO LAS ESTRELLAS

BAJO LAS ESTRELLAS, de Félix Viscarret

un poco de música

SVEN NYKVIST--CULTO A LA LUZ

CRÍTICA DE TIDELAND

OTROS DIRECTORES NOMINADOS AL ÓSCAR

DOS DE LOS CORTOS NOMINADOS AL ÓSCAR EN EL 2007

Y COMO EL DÍA VA DE CORTOS

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